miércoles, 4 de julio de 2012

Las acacias

TÍTULO ORIGINAL: Las acacias
AÑO: 2011
DURACIÓN: 85 minutos
PAÍS: Argentina
DIRECTOR: Pablo Giorgelli
GUIÓN: Pablo Giorgelli, Salvador Roselli
FOTOGRAFÍA: Diego Poleri
REPARTO: Germán de Silva, Hebe Duarte, Nayra Calle Mamani
PRODUCTORA: Coproducción Argentina-España; Airecine / Utópica / Proyecto Experience / Armónika / Tarea Fina / INCAA / ICAA/ Ibermedia / TVE

PREMIOS:    
2011: Festival de Cannes: Cámara de Oro (Mejor ópera prima)
2011: Festival de San Sebastián: Mejor película (sección "Horizontes latinos")
2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa

GÉNERO: Drama
IDIOMA: Español latino

SINOPSIS:    
Por encargo, un camionero debe llevar a una mujer desconocida desde Asunción, Paraguay, hasta Buenos Aires, en Argentina.
La mujer trae consigo una niña en brazos. Son 1.500 kilometros de viaje por delante. (FILMAFFINITY)

CRÍTICAS:    
"Un drama conmovedor que contrasta con la belleza de Latinoamérica de fondo. Simplemente no esperen fuegos artificiales. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Anna Smith: Empire)
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"Experto minimalismo. (...) una road movie atípica (...) La sencillez de la narrativa contrasta con la sofisticación de su ejecución (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El Periódico)
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"¿Puede una película ser arriesgada y autocomplaciente al mismo tiempo? ¿Puede una película resultar hermosa y cansina a partes iguales? Estas y otras preguntas se acumulan en el espectador al ver 'Las acacias'" (Javier Ocaña: Diario El País)
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"Una pieza modélica, sugerente (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

CAPTURAS:

domingo, 1 de abril de 2012

El Arbol


Título Original: El Arbol
Año: 2006
País de origen: Argentina
Director: Gustavo Fontán
Intérpretes: Federico Fontán, Gustavo Fontán, María Merlino
Libro y guión: Gustavo Fontán
Producción: Stella Maris Czerniakiewicz
Idioma: Español Latino
Género: Drama

Locación: Banfield, Buenos Aires (Argentina)
Productora: Tercera Orilla Cine
Distribuidores: Primer Plano Film Group (2007) (Argentina)
Cámara: Sony DSR-PD150
Laboratorio: Cinecolor SA, Buenos Aires, Argentina

Equipo Técnico:
Producción ejecutiva: Stella Maris Czerniakiewicz
Fotografía: Diego Poleri 
Cámara: Diego Poleri
Montaje: Marcos Pastor
Sonido: Javier Farina
Tape to film: Georgina Pretto, Víctor Vasini, Lucas Guidalevich

(Fuente: IMDb)



Sinopsis:
Frente a la casa de MARÍA (67) y JULIO (69), hay dos acacias, muy viejas. Sus ramas están enlazadas y parecen formar una sola copa. Una de ellas tiene toda la apariencia de estar seca. Cuando llega la primavera y reverdecen, no es posible distinguir si las hojas crecidas son de uno o de los dos árboles.
MARÍA y JULIO discuten: ella cree que está seca y que hay que tirarla abajo; teme que se pueda caer sobre alguien. Él duda, cree que no está muerta todavía, y la riega, como en un acto de fe. JULIO plantó esa acacia cuando nació uno de sus hijos y no le es fácil admitir lo que MARÍA dice.
Enlazada con este conflicto se teje la vida de dos personajes en una casa de más de cien años. La visita de algún vecino, una fiesta, los recuerdos y los fantasmas, la lluvia y los sueños, las acciones reiteradas día a día, las estaciones, las variaciones de las luces y de las sombras, construyen la trama, para que todo, silenciosa e irreversiblemente, nos hable del paso del tiempo.

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Comentarios del realizador:

- Sobre el proyecto -

La cercanía emocional:
“La casa donde se filmó la película es mi casa natal, en Banfield, un barrio del Gran Buenos Aires, levantada por mi  bisabuelo hace más de cien años, y MARÍA y JULIO, los protagonistas de EL ARBOL, son mis padres. Los árboles, las dos acacias, son parte de mi propia vida ya que, desde que tengo conciencia, estuvieron allí, como un símbolo del paso de los días y de las estaciones: el verdor de las hojas en la primavera, el resplandor luminoso de sus copas después de una lluvia en el verano, la caída de las hojas, cercana a su explosión en ocres y amarillos, la negritud de las ramas -espectrales a veces- en el invierno. Ya que la intención de la película es más poética que narrativa, considero importante esa cercanía emocional con los elementos del relato -no por una intención autobiográfica, que no la hay- sino porque me permite explorar en sensaciones, imágenes y sonidos, con más claridad”.

Poetizar lo cotidiano:
“Aunque el conflicto -la discusión sobre si el árbol está seco o no- estructura el relato, le da cuerpo, la mirada se detiene y penetra en las cosas más simples: la sombra de una planta, las señales del nacimiento del viento o de la lluvia, el silencio de JULIO, los sueños de MARÍA, o las acciones cotidianas, como hacer la cama o la comida, colgar las sábanas lavadas, o barrer el patio.
Creo que hay algo de eterno en el pequeño suceso, en la modificación íntima, en las alteraciones de lo que vive y es rozado -siempre y de manera natural- por la muerte. Los ciclos, el paso del tiempo”.

Tratamiento estético:

“La luz, la atmósfera de cada estación, era parte constructiva de la estética. El tiempo hecho pura instancia física.
Por eso, el rodaje se realizó a lo largo de todas las estaciones del año. Las jornadas eran muchas veces la caza de la luz natural apropiada.
El sonido requería un tratamiento específico: partiendo de la referencia había que “extrañarlo”. El rodaje, por lo tanto, tuvo también varias jornadas de captura de sonidos en la casa, es decir un minucioso registro de los péndulos de los relojes, de los ambientes en las distintas estaciones, de los crujidos de la madera, por ejemplo, para luego trabajar todo lo registrado cuidadosamente en la postproducción de modo que le aporte el clima apropiado a los distintos  segmentos de la película.
Las pausas del rodaje, por otro lado, en relación al trabajo con las estaciones, nos permitieron trabajar en el montaje durante un año y medio. Se rodaba y se editaba. Se buscó en el montaje la fluidez en el paso del tiempo, una cadencia en las alteraciones emocionales, una unidad perceptiva y rítmica, y una asociación de objetos en leves metáforas”.

(Gustavo Fontán)

Comentario propio:
Casi un medio-metraje por sus escasos 62 minutos. Pero con tóda la intensidad de una película de mayor duración.



CAPTURAS:

viernes, 30 de marzo de 2012

Arirang [Documental]


TÍTULO ORIGINAL:Arirang
AÑO: 2011
PAÍS: Corea del Sur
DIRECTOR: Kim Ki-duk
GUIÓN: Kim Ki-duk
FOTOGRAFÍA: Kim Ki-duk
REPARTO: Kim Ki-duk
PRODUCTORA: Kim Ki-duk
GÉNERO: Documental - Drama

Festivales:
2011 (64th) Cannes Film Festival - May 11 - May 22, 2011 - Un Certain Regard *World Premiere
2011 (11th) New Horizons International Film Festival - July 21-31, 2011 - Films on Art International Competition
2011 (5th) Cinema Digital Seoul Film Festival - August 17-23, 2011 - CINDI Surprise *Korean Premiere
2011 (36th) Toronto International Film Festival - September 8-18, 2011 - Real To Reel

Premios:
Prize of Un Certain Regard Ex-aequo - 2011 (64th) Cannes Film Festival - May 11 - Mejor película.
May 22, 2011
Grand Prix (Films on Art International Competition) - 2011 (11th) New Horizons International Film Festival - July 21-


Fuente IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1922551/

SINOPSIS:
"Arirang" es una historia en la que Kim Ki-duk interpreta tres papeles. "A través de Arirang, franqueo una colina de mi vida. A través de Arirang, intento comprender al ser humano, le doy las gracias a la naturaleza y acepto mi situación actual. Estamos ahora en el mundo de los hombres, donde se entremezclan los deseos, en el mundo de los fantasmas, repleto de dolor, y el mundo imaginario, donde se esconden nuestros sueños, sin principio ni final, volviéndonos locos lentamente. ¿Qué es el afecto, que anida aquí y allí en mi corazón y me pudre de esta forma? ¿Por qué se mantiene sobre mi cabeza para cuestionar mis emociones? ¿Por qué se esconde en el fondo de mi corazón para poner a prueba mi compasión? Cuando no le abro mi corazón a alguien, me convierto en una mala persona y le olvido, pero cuando le abro mi corazón, no le dejaré partir nunca, como un ser despreciable. ¡Oh, Arirang! De acuerdo. Matémonos cruelmente en nuestros corazones hasta la muerte. Incluso hoy, aún controlándome, me dejo invadir por la rabia con una sonrisa en los labios, me estremezco de celos al querer, odio al tiempo que perdono, tiemblo mientras ardo en ganas de matar. Esperad. Voy a suicidarme, yo que me acuerdo siempre de vosotros".


CRÍTICA:
Arirang o la caverna poshumana. Arirang. Director: Kim Ki-duk. Corea del Sur, 2011. Guión: Kim Ki-duk. Elenco: Kim Ki-duk. Por Martín I. Pérez Calarco Conicet/UNMdP.
Yo quiero ver un tren,
llévame a ver un tren,
no los recuerdo
yo quiero ver un tren.
L. A. S.

Primero hay una palabra extraña, Arirang, el título de una de esas canciones que todas las naciones tienen y que supuestamente ningún verdadero ciudadano desconoce, una especie de himno no oficial clavado atemporalmente en el corazón de una cultura. Después hay un hombre, que es Kim Ki-duk, que a través de la canción se convierte en un Sísifo oriental que va y vuelve, una y otra vez, del pie de la montaña al living de la caverna que instaló en la cima. Pero antes, mucho antes, en 2008 pero en realidad esa fecha no significa nada ya que apenas refiere a un hecho que hace visible un conflicto ancestral, hay un verdadero disparo al centro del hombre.
¿Hay una historia? Si hay una historia empieza durante el rodaje de otra película, Dream (2008), en el que una actriz casi muere ahorcada por una falla técnica. De ahí en más, Kim Ki-duk parece darle un portazo a la civilización y se arroja a la intemperie poshumana. Como si esa falla que convirtió un artefacto de utilería en una horca hubiera transformado en verdugo al director de cine, como si ese hecho fortuito no hubiera arrasado con su pensamiento cinematográfico sino con la humanidad entera, Kim Ki-duk se instala fuera de todo sistema (social, económico, cinematográfico) con algunos restos de cultura: monta una carpa pero dentro de una cabaña, corta leña pero tiene electricidad, abandona la industria pero se filma con una cámara doméstica, vive al día pero mira sus películas viejas, se enfrenta a la naturaleza pero tiene herramientas de última tecnología. Ahí, en la cima, donde sólo se puede estar solo, un cineasta surcoreano que tenía cuatro años cuando estalló la Guerra de Vietnam, registra su testimonio de la soledad, sus casi tres años en estado de reflexión. Lo vemos comer en primer plano con desafuero animal, lo vemos llorar, le vemos las grietas que se le marcan en los talones, lo vemos semidescalzo en la nieve, lo vemos usar el ingenio para que las tomas sean menos rudimentarias, lo vemos renunciar a la ficción y anunciar que “una película es una verdad”.
Pero también lo vemos confeccionar un arma y, en ese preciso instante, el cavernícola poshumano refunda la civilización. La película se quiebra porque de algún modo consigue un auto y nos muestra que el mundo sigue ahí mientras va camino a la única respuesta que parece encontrar para su dilema: un tiro certero a cada uno de los traidores. Esos disparos, esa resolución imaginaria que de concretarse lo devolvería a la civilización bajo el peso material de la ley, son la grieta por la que la ficción vuelve a filtrarse en el pensamiento de Kim Ki-duk.
Tras su autodestierro introspectivo, esta película marca el retorno del director surcoreano a los festivales internacionales y, con éste, la condensación, en cien minutos, de una idea a la que volvemos periódicamente y que excede a la forma contemporánea del ser humano; como si Kim Ki-duk volviera a cero, como si Arirang, finalmente, no fuera sólo el registro del drama existencial de un hombre sino un testimonio contemporáneo de por qué encontramos en la ficción, desde tiempos remotos, una vía de escape al dilema primigenio y natural de matar y morir.

Publicado por Centro Independiente de Estudios Culturales:

(http://letraceluloide.blogspot.com.ar/2011/11/publicacion-bimestral-issn-n-1851-4855.html)



CAPTURAS:

lunes, 26 de marzo de 2012

The Butterfly Circus (El Circo de la Mariposa) [Cortometraje]


Título Original: The Butterfly Circus
Título en español: El Circo de la Mariposa
Año: 2009
Director: Joshua Weigel
Productor Ejecutivo: Nathan Elliott
Productor ejecutivo: Jon y Esther Phelps
Productor Ejecutivo: Bob Yerkes
Productor Asociado: Natalie Burkholder
Idioma: Inglés
Subtitulado: Español

SINOPSIS:
El corto “The Butterfly Circus”, coprotagonizado por el actor mexicano Eduardo Verástegui, ha ganado el primer premio del concurso de cortos “The Doorpost Film Project” .
Este premio, de 100.000 dólares, reconoce la aportación del corto a la promoción de valores como la esperanza y la dignidad humana. El proyecto “The Doorpost” pretende descubrir a cineastas “visionarios” que busquen con sus obras la verdad y la promoción de una serie de valores universales. En esta ocasión, los valores eran la esperanza, el perdón, la humildad, la alegría, la libertad y la redención.
En esta producción, Verástegui representa al señor Méndez, quien, durante la Gran Depresión, recorre con su circo los parajes desolados de Estados Unidos. Will, un joven sin brazos y sólo el amago de una pierna, expuesto en una feria como un error de la naturaleza, escapa y se une a la troupé de Méndez, donde descubre otra forma de hacer espectáculo y se plantea su porvenir a la luz de sus nuevos compañeros.
El equipo responsable de The Butterfly Circus, encabezado por Joshua Weigel, no ha gastado nada en efectos especiales para crear el personaje de Will. Lo encarna el joven australiano Nick Vujicic, que preside la asociación “Life without limbs” (“La vida sin extremidades”) y se dedica a recorrer el mundo dando conferencias sobre la fe cristiana y la superación personal.

                                      

miércoles, 21 de marzo de 2012

2001: A Space Odyssey (2001 Una odisea en el espacio)



TÍTULO ORIGINAL: 2001: A Space Odyssey
TITULO EN ESPAÑOL: 2001 Una odisea en el espacio
AÑO: 1968 
DIRECTOR: Stanley Kubrick
GUIÓN: Stanley Kubrick & Arthur C. Clarke (Novela corta: Arthur C. Clarke)
MÚSICA: Varios (Richard Strauss, Johann Strauss)
FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth
REPARTO: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Douglas Rain (HAL 9000 voice), Laonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick
PRODUCTORA: MGM
AÑO: 1968

PREMIOS:   
1968: Oscar: Mejores efectos visuales. 4 nominaciones: director, guión y dirección artística
1968: Premios David di Donatello: Mejor producción extranjera

SINOPSIS:
En los albores de la humanidad, un grupo de homínidos, comandados por "Moonwatcher", sobrevive en las secas llanuras de Africa comiendo plantas; su indefensión frente a los depredadores y frente a otra tribu de homínidos, con la que se enfrentan a menudo por una charca de agua, es total. Un amanecer encuentran, en la entrada de las cuevas donde duermen, un extraño monolito negro al que, tras amenazarlo más por miedo y desconocimiento que por posibilidad real de enfrentamiento, acaban tocando.
Un dia, mientras "Moonwatcher" busca comida entre los restos de un animal, y potenciado por el extraño monolito, descubre que los huesos pueden ser uilizados como armas; derrotan a la tribu opuesta y cambian sus hábitos alimenticios hacia la carne.
Tras uno de los saltos más espectaculares de la historia del cine, nos hallamos en el año 2.001. El Doctor Heywood Floyd se dirige hacia la Luna, haciendo escala en una estación orbital. Al llegar a la Luna, se dirige junto con el Doctor Halvorsen al cráter Tycho, donde gracias a la medida de campos magnéticos, se ha detectado y desenterrado un monolito negro que, al ser explorado, emite una fuerte señal hacia el lejano planeta Júpiter.
De camino hacia Júpiter, la nave "Discovery" lleva en su interior cinco personas, el comandante David Bowman, el piloto Frank Poole y tres científicos en estado de hibernación, además de un ordenador de la serie 9000, "Hal" que es quien gobierna la nave.
El ordenador HAL 9000, al entrar en conflicto puesto que no está programado para mentir y, sin embargo, es el único que conoce los verdaderos detalles de la misión, decide eliminar el problema del engaño matando a toda la tripulación; eliminados los seres humanos, no tendrá a quien mentir y su problema quedará resuelto. Además, debido a que empezaba a presentar fallos de funcionamiento, Poole y Bowman habian decidido que, de seguir asi, no tendrían más remedio que desconectarlo; a pesar de las medidas de seguridad que adoptan, HAL 9000 se entera de sus planes y decide actuar.
Durante una exploración para reemplazar una pieza que se supone averiada, Frank Poole es asesinado por el ordenador con la ayuda de su nave de exploración; cuando David Bowman sale en su ayuda, el ordenador suspende las funciones vitales de los científicos hibernados. A pesar de haberse olvidado su casco espacial en el interior de la nave, Bowman consigue entrar de nuevo en ella a pesar de la oposición de HAL 9000 y desconecta el ordenador.
Al descubrir otro monolito negro en las cercanías de Júpiter, Bowman sale a explorarlo; cuando se encuentra a corta distancia, es engullido en un viaje a través de las estrellas hasta una habitación, donde envejece rápidamente antes de renacer como el "Niño de las Estrellas", que en el plano final de la película regresa a la Tierra, a su hogar.

COMENTARIOS:
La Odisea del espacio explicada (con presentación en multimedia) en:
 http://es.kubrick2001.com/ Ayuda de gran importancia para comprender la integridad de la obra.


OTRAS NOTAS Y CAPTURAS:
Es uno de los films más importantes de ciencia ficción. Realizado por Stanley Kubrick (1928-1999), el guión es de Kubrick y Arthur C. Clarke. Se basa en el relato breve “The Sentinel”, de Arthur Clarke (1917-2008), escrito para un concurso de la BBC y publicado (1951) en el magazín “10 Story Fantasy”. Se rueda en escenarios naturales de Inglaterra (Borehamwood), Escocia (Western Islands) y EEUU (Monument Valley) y en los platós de Shepperton Studios (Surrey, Inglaterra) y MGM British Studios (Borehamwood), con un presupuesto de 10 M USD. Nominado a 4 Oscar, gana uno (efectos visuales). Producido por Kubrick para Polaris y MGM, se estrena el 2-IV-1968 (Washington D.C., preestreno).
La acción dramática tiene lugar en la Tierra, la Luna, una estación orbital y más allá de Júpiter. La narración se refiere a una época de 4 M de años de antigüedad, a los años 2001 y 2002 y al 2012 (aprox.). Hace 4 M de años un primate descubre un arma de combate (el fémur de un animal de envergadura muerto joven), que le permite cazar, dominar a los suyos, someter a los rivales y asesinar. Los homínidos dejan de ser carroñeros para convertirse en cazadores. En 2010 una nave espacial tripulada por los astronautas Frank Polle (Gary Lockwood, “Esplendor en la hierba” 1961) y Dave Bowman (Keir Dullea, “Elisa” 1962, “La zorra” 1967, “El buen pastor” 2006), se dirige a la base lunar Clavius. Un tiempo después (18 meses más tarde) la nave es enviada a Júpiter, que rebasa para introducirse en una nueva dimensión.
El film suma aventuras, misterio y ciencia ficción. La narración se presenta dividida en tres actos, a la manera de las obras del teatro clásico. Analiza tres hechos trascendentales: el salto de las habilidades manuales a la inteligencia natural, el salto de la inteligencia natural a la artificial y el paso de la tercera dimensión a una nueva dimensión, a la que no da nombre. El relato no se basa ni en delirios fantasiosos, ni en especulaciones de una imaginación gratuita y desbordada. El discurso narrativo se apoya en datos científicos rigurosos y en previsiones fundamentadas. Gracias a su perspectiva documental, la descripción del Universo en el que viaja la nave Discovery 1 coincide básicamente con las imágenes obtenidas en viajes interplanetarios posteriores de ingenios mecánicos o robots y en el viaje a la Luna que realiza el Apolo 11 de la NASA en julio de 1969.
No emplea planos caprichosos, ni escenas redundantes, ni secuencias superfluas. Muestra en los planos sólo lo que es esencial, imprescindible y relevante. Su discurso se hace austero y riguroso. La exposición es seria y realista: no contiene elementos de broma o farsa referidos al objeto de análisis o a partes del argumento. Rompe con la tradición de las narraciones juveniles de temas imaginarios y de ciencia ficción que le precedieron. El relato da saltos en el tiempo y en el espacio, confiando en la atención y la capacidad de comprensión del espectador, al que trata con respeto, pero sin concesiones a la ausencia de esfuerzo.
La cinta se refiere a algunos hechos cuya finalidad radica en plantear preguntas, a las que no se dan respuestas. El realizador desea que el espectador se sienta interrogado y que reaccione según su propia manera de ver y entender las cosas. En la Tierra desde hace más de 4 M de años hay un monolito negro con forma de hexaedro regular, de superficies pulidas y aristas finas, que podría sugerir la existencia de seres inteligentes ajenos al género humano. En la Luna se encuentra un monolito poliédrico similar, que plantea inquietudes y siembra sospechas. Otra apelación clara a la capacidad de razonamiento del espectador viene dada por la desconcertante habitación vienesa.
Es el 8º largometraje de Kubrick (“Senderos de gloria” 1957, “Espartaco” 1960, “La naranja mecánica” 1971, “El resplandor” 1980), un trabajo ambicioso y conseguido, que rompe con la tradición anterior de la cinematografía de ciencia ficción y sienta nuevos parámetros, nuevos conceptos estéticos y nuevas imágenes, que condicionan el futuro del género. La película plantea preguntas sobre la relación del ser humano con el Universo, sobre la supuesta omnipotencia de la ciencia, sobre las relaciones de la persona humana con la máquina, sobre la posibilidad y el alcance potencial de la inteligencia artificial, etc. El realizador muestra su admiración por la naturaleza, en especial por el cielo, la tierra el espacio insondable, la luz, los colores, las formas, los astros, los crepúsculos, los viajes. Para él, estos elementos configuran el escenario en el que intenta elevar el espíritu del espectador a esferas de plenitud, gozo y éxtasis, reservados a los dioses. La obra invita a pensar, interrogarse, explorar. No busca el espectáculo visual, sino la emergencia de inquietudes, interrogantes, reflexión y pensamiento. La gestación de la película se prolonga durante 4 años hasta su estreno.
La música, de Richard Strauss, Johann Strauss, Katchaturian y Ligeti, tomada de interpretaciones rotundas y vibrantes, confiere seriedad y magnificencia a la acción. Sobresalen los cortes de “Así habló Zarathustra (Amanecer)” de Richard Strauss, el “Adagio” de Katchaturian y “Atmospheres” de Ligeti. El vals “El Danubio azul” no es el mejor corte de la banda sonora, aunque probablemente es el más popular y el más romántico. La fotografía, de Geoffrey Unsworth (“Superman“, Donner, 1978), en color y panavisión, hilvana secuencias de imágenes inolvidables y asombrosas, que convierten la cinta en una experiencia visual fascinante.


Film de culto, polémico, conocido y acreditado.

(Fuente de las Otras Notas: Miquel Alenyà) http://lgecine.org/2011/09/21/2001-una-odisea-en-el-espacio-1968/

CRÍTICAS:   
"La cinta más polémica, magnética y genial de Kubrick (...) La elipsis del hueso-espacio, el monolito y el enmudecimiento de Hal forman ya parte de la iconografía del siglo" (Luis Martínez: Diario El País)
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"Maravillosa obra, sin duda toda una revolución en su época" (Fernando Morales: Diario El País)
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viernes, 16 de marzo de 2012

Love



TÍTULO ORIGINAL: Love
AÑO: 2011
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: William Eubank
GUIÓN:
William Eubank
MÚSICA: Angels & Airwaves
FOTOGRAFÍA: William Eubank
REPARTO: Gunner Wright, Corey Richardson, Bradley Horne, Nancy Stelmaszczyk, Roger E. Fanter
PRODUCTORA: Angels & Airwaves

GÉNERO: Ciencia ficción

SINOPSIS:
Después de perder contacto con la Tierra, el astronauta Lee Miller queda atrapado a bordo de la Estacion Espacial Internacional. A medida que el tiempo avanza y las reservas vitales se acaban, Lee lucha para mantener su cordura, y su vida. Su mundo se reduce a una existencia solitaria y claustrofóbica, hasta que hace un descubrimiento extraño a bordo de la nave. Musicalizada por la poderosa música de Angels & Airwaves, "Love" explora la necesidad humana fundamental por conectarse a otros, y el iimitado poder de la esperanza. Una aventura de grán impacto visual que hace hincapié en una realidad común: que todos tenemos una historia que contar y un legado incluso mas grande que dejar atras.

CAPTURAS:

jueves, 15 de marzo de 2012

Faust (Fausto)

TÍTULO ORIGINAL: Faust
TITULO EN ESPAÑOL: Fausto
AÑO: 2011
DURACIÓN: 133 minutos
PAÍS: Rusia
DIRECTOR: Alexandr Sokurov
GUIÓN: Alexandr Sokurov  (Obra: Johann Wolfgang von Goethe)
MÚSICA: Alexander Zlamal
FOTOGRAFÍA: Bruno Delbonnel, Bernhard Nicolics-Jahn
REPARTO: Hanna Schygulla, Maxim Mehmet, Georg Friedrich, Antoine Monot Jr., Katrin Filzen, Isolda Dychauk, Eva-Maria Kurz, Johannes Zeiler, Florian Brückner, Anton Adasinsky, Stefan Weber
PRODUCTORA:
Pro Line

PREMIOS:   
2011: Festival de Venecia: León de Oro (mejor película), premio SIGNIS
2011: Festival de Gijón: Mejor dirección artística
2011: Satellite Awards: 4 nominaciones, incluyendo mejor película de habla no inglesa
2011: London Film Festival: Sección oficial largometrajes a competición

GÉNERO: Drama
IDIOMA: Ruso
SUBTITULADO: Español

SINOPSIS:    
Ambientada en el siglo XIX. Se basa en la leyenda alemana de Fausto, un sabio que hace un pacto con el diablo, y en las adaptaciones literarias del mito por parte de Johann Wolfgang von Goethe y Thomas Mann.

CRÍTICAS:    
"Sokurov aplica su singular visión a 'Fausto', aunque es complicado calificar cuál es su logro (...) El peculiar autor añade su propia vuelta de tuerca al clásico mito" (Jay Weissberg: Variety)
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"Un viaje al fondo mismo de la naturaleza de la imagen cinematográfica y, por extensión, del hombre que la habita. (...) Cine lisérgico, voraz y, por supuesto, faústico." (Luis Martínez: Diario El Mundo)
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"Es cine que no deja indiferentes a su paso, de un movimiento de cámara constante y efectos que retuercen la imagen (...) Arranca con una autopsia, y luego sigue por mundos más propios de El Bosco. Agotador." (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)
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"Uno se pasa la película desentrañando el sentido: de Sokurov, de su película, de la lista del supermercado, de los planos distorsionados, de la existencia. El tedio." (Javier Ocaña: Diario El País)
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"Durante sus 133 minutos de ininterrumpido combate dialéctico hay tiempo para todo: interés, tedio, hipnosis, asombro y hasta el peculiar y hermético humor del cineasta. (...) ejerce de efectivo colirio para seguir creyendo en el cine como desafío. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Daniel De Partearroyo: Cinemanía)
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"'Fausto' es una grotesca fiesta para los sentidos, aunque a veces su opacidad narrativa pueda resultar desesperante (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Fotogramas)
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CAPTURAS:

jueves, 8 de marzo de 2012

Café de Flore



TÍTULO ORIGINAL: Café de Flore
AÑO: 2011
DURACIÓN: 120 min.
PAÍS: Canadá
DIRECTOR: Jean-Marc Vallée
GUIÓN: Jean-Marc Vallée
FOTOGRAFÍA: Pierre Cottereau
REPARTO: Vanessa Paradis, Kevin Parent, Hélène Florent, Evelyne Brochu
PRODUCTORA: Coproducción Canadá-Francia; Item 7 / Monkey Pack Films / Crazy Films

PREMIOS:    
2011: Premios Genie: 13 nominaciones, incluyendo Mejor película y mejor dirección
 
GÉNERO:    Drama. Romance

SINOPSIS:   
Historia de amor entre un hombre y una mujer. Y entre una madre y su hijo. Una odisea mística y fantástica en el amor.


CAPTURAS:


TRAILER:

martes, 6 de marzo de 2012

Crime d'amour


Título Original: Crime d'Amour
Año: 2010
Género: Thriller
País: Francia
Formato: Color
Duración: 101 minutos
Dirección: Alain Corneau
Producción: Saïd Ben Saïd
Guión: Alain Corneau / Nathalie Carter
Fotografía: Yves Angelo
Estreno Mundial: 18-ago-2010

Intérpretes:
Kristin Scott Thomas (Christine)
Ludivine Sagnier (Isabelle)
Patrick Mille (Philippe)
Gérald Laroche (Gérard)
Guillaume Marquet (Daniel)
Olivier Rabourdin (Juez)
Marie Guillard (Claudine)



SINOPSIS Y NOTAS COMPLEMENTARIAS:
Alain Corneau (recientemente fallecido) es el mismo director del recordado film “Todas las mañanas del mundo” (1991).
“Crime d’amour” es un bienvenido retorno al género que lo estableció como cineasta en la década de 1970, un tenso thriller psicológico con un toque del cine negro.  En muchos sentidos “Crime d´amour” es un interesante film que combina la exploración del entorno cínico corporativo con un misterioso asesinato, ofreciendo un retrato escalofriante de la política en las oficinas que muchos espectadores encontraran inquietantemente familiar.  Esta situación se centra en la relación cada vez más sadomasoquista entre dos protagonistas femeninas, interpretada por Kristin Scott Thomas y Ludivine Sagnier.  Thomas es superlativa en su cruel personaje, gobernando su pequeño imperio con majestuoso aplomo, proporcionandonos un fascinante estudio de poder psicológico, logrando transmitir la brutalidad que impregna en la cultura corporativa de hoy.


CAPTURAS:



TRAILER:

sábado, 3 de marzo de 2012

Casas de fuego

Título original: Casas de fuego
Año: 1995
País de origen: Argentina
Dirección: Juan Bautista Stagnaro
Guión: Juan Bautista Stagnaro y Rodolfo Mórtola
Productora: Pablo Rovito
Intérpretes: Miguel Ángel Solá, Pastora Vega, Carola Reyna, Carolina Fal, Alex Benn, José Luis Alfonzo, Boy Olmi, Suna Rocha, Jorge García Marino, Harry Havilio, Marcos Woinski, Silvia Gallegos
Duración: 111 minutos
Idioma: Español latino
Género: Drama biográfico
Fecha de Estreno: 31 de agosto de 1995
Premios Internacionales:
1995: Festival de La Habana (Premio Especial del Jurado)
1995: Festival Internacional de Shangai - China -  (Premio Especial del Jurado)

SINOPSIS:

La película está inspirada en el caso real del médico argentino que estudió el Mal de Chagas en Argentina, y su lucha en favor de la erradicación de esta enfermedad, estrechamente ligada a la pobreza.

jueves, 1 de marzo de 2012

La invención de Hugo Cabret



TÍTULO ORIGINAL: Hugo (Hugo Cabret)
TITULO EN ESPAÑOL: La invención de Hugo Cabret
AÑO: 2011
DURACIÓN: 126 minutos
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: John Logan (Libro: Brian Selznick)
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson
REPARTO: Asa Butterfield, Chloe Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Emily Mortimer, Michael Stuhlbarg, Ray Winstone, Christopher Lee, Richard Griffiths, Helen McCrory, Frances de la Tour
PRODUCTORA: GK Films / Infinitum Nihil / Warner Bros. Pictures

PREMIOS:

2011: Oscars: 11 nominaciones, incluyendo mejor película, director y guión adaptado
2011: National Board of Review: Mejor película y mejor director
2011: Globos de Oro: Mejor director. 3 nominaciones, incluyendo Mejor película dramática
2011: Premios BAFTA: Mejor diseño de prod. y sonido. 9 nom, incluyendo mejor director
2011: Critics Choice Awards: Mejor dirección artística. 11 nominaciones
2011: Satellite Awards: Mejores efectos visuales. 5 nomin., incluyendo mejor película
2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor diseño de producción.
2012: Ganadora de 5 premios de la Academia (Oscar)

GÉNERO: Aventuras





Estreno en USA: noviembre 2011.

Estreno en España: febrero 2012.




SINOPSIS:   
París, años 30. Hugo (Asa Butterfield) es un niño huérfano que vive escondido en una estación y se ocupa de arreglar relojes. Se verá envuelto en una misteriosa aventura cuando intente reparar un robot estropeado. Un día conoce a una chica (Chloë Moretz) que tiene la llave que podría resolver el misterio del robot... El guión adapta un libro infantil que ganó el premio Randolph Caldecott en 2008.


CRÍTICAS:    
"Una carta de amor al cine y al público (...) 'Ven y sueña conmigo', pide un cineasta en la exquisita fantasía 'Hugo', una invitación que claramente es formulada por el propio Scorsese (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Elizabeth Weitzman: New York Daily News)
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"'Hugo' es distinta a cualquier otra película que haya hecho nunca Martin Scorsese y posiblemente, la más cercana a su corazón: un cine épico (...) y, en muchos sentidos, un espejo de su propia vida (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Scorsese construye 'Hugo' al estilo Méliès, montando un mundo parisino completo y deslumbrante en un plató en Inglaterra y revelando la pura alegría de ello. 'Hugo' te dejará sin aliento (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
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"Aunque es preciosa, 'Hugo' nunca parece como la infancia, nunca hace sentir el terror, la sensación de injusticia ante las reglas adultas, la sensación de descubrimiento cuando todo es nuevo (...) Puntuación: ** (sobre 4)" (Kyle Smith: New York Post)
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"En un intento de hacer su primera película para todas las edades, Martin Scorsese ha creado una película eterna. Simultáneamente clásica y moderna, popular pero también insobornablemente personal" (Peter Debruge: Variety)
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"'Hugo' es grande, y existe principalmente para resplandecer, pero sus ambiciones narrativas son más modestas. La disfruté más que muchas de las últimas películas de Scorsese" (Michael Phillips: Chicago Tribune)
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"Es preciosa visualmente, utiliza inmejorablemente las tres dimensiones, es un tributo sincero y de amor al cine y a los libros. Pero fallan demasiadas cosas." (Carlos Boyero: Diario El País) 









martes, 28 de febrero de 2012

The Phantom Of The Opera At The Royal Albert Hall

TÍTULO ORIGINAL The Phantom of the Opera at the Royal Albert Hall / Phantom of the Opera (25th Anniversary)
AÑO 2011
DURACIÓN 160 min.
PAÍS Reino Unido
DIRECTOR Nick Morris, Laurence Connor
GUIÓN Richard Stilgoe, Andrew Lloyd Webber, Gaston Leroux
MÚSICA Andrew Lloyd Webber
REPARTO Ramin Karimloo, Sierra Boggess, Hadley Fraser, Wendy Ferguson, Barry James, Gareth Snook, Liz Robertson, Wynne Evans, Daisy Maywood, Nick Holder, Michael Crawford
PRODUCTORA The Really Useful Theatre Company
WEB OFICIAL http://www.thephantomoftheopera.com/25th-anniversary
GÉNERO   Musical. Thriller. Romance. Drama | Ópera

SINOPSIS:
Un desfigurado genio musical, escondido en la Ópera de París, aterroriza a la compañía de ópera para el beneficio involuntario de un joven protegida a los que los trenes y los ama. En 1986, el fantasma de Andrew Lloyd Webber de la ópera llegó en el escenario del West End en el Teatro de Su Majestad. Avance rápido 25 años y Phantom ha logrado un éxito mundial, millones de espectadores, una adaptación cinematográfica en 2004 y una segunda parte musical. Ahora los espectadores tienen la oportunidad de disfrutar este espectáculo fenomenal desde sus propias pantallas. Filmado en el Royal Albert Hall, esta actuación impresionante trae el espectáculo a un escenario más grande y cumple su papel como uno de los mayores espectáculos de la historia del teatro, con discursos, actuaciones y apariciones de los actores originales y algunos de los fantasmas más notables de la serie, incluyendo a John Owen Jones y Wilkinson Colm.

Protagonizada por Ramin Karimloo y Sierra Boggess, Phantom cuenta la historia de un genio musical deforme que vive en las catacumbas de la Ópera de París. Rechazados por la sociedad, el fantasma busca venganza en actos crueles y violentos con frecuencia.

NOTAS COMPLEMENTARIAS:
El Fantasma de la Opera en el Albert Hall” cuanta con las interpretaciones de la estrella Ramin Karimloo como “El Phantom” y Sierra Boggess como “Christine” junto con un gran elenco y orquesta con más de 200 personas, junto con algunos invitados especiales, será dirigida por Laurence Connor, la puesta de escena musical y coreografía de Gillian Lynne.
El Royal Albert Hall se transforma con un diseño espectacular y único de Matt Kinley inspirada en el diseño original de Maria Bjørnson. La iluminación por Patrick Woodroffe y Andrew Bridge y el sonido por Mick Potter. La producción original de Londres, fue dirigida por Hal Prince.

El éxito del show se ha convertido en una leyenda teatral así que Andrew y yo, comenta Cameron Mackintosh, sentíamos que necesitábamos crear un espectáculo muy especial para celebrar los 25 años.
Una de las grandes fortalezas de El fantasma de la Opera es que se encuentra en un teatro de ópera, su producción es totalmente teatral. Así que nos pareció que no podía haber mejor sala teatral del siglo XIX en Londres para esta ocasión que el Royal Albert Hall es el lugar perfecto para El fantasma.


viernes, 10 de febrero de 2012


TÍTULO ORIGINAL: The Artist
AÑO: 2011
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Michel Hazanavicius
GUIÓN: Michel Hazanavicius
MÚSICA: Ludovic Bource
FOTOGRAFÍA: Guillaume Schiffman (B&W)
REPARTO: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Malcolm McDowell, Joel Murray, Ed Lauter, Beth Grant, Bitsie Tulloch, Ken Davitian
PRODUCTORA: Wildbunch / La Petite Reine / Studio 37 / La Classe Américaine / JD Prod / France3 Cinéma / Jouror Production / uFilms
WEB OFICIAL: http://weinsteinco.com/sites/the-artist/

PREMIOS: 
2012: Ganadora de 5 ´premios Oscar    
2011: Oscars: 10 nominaciones, incluyendo mejor película, director y guión original
2011: Globos de Oro: Mejor película comedia/musical, actor (Dujardin) y BSO. 6 nomin.
2011: Premios Cesar: 10 nominaciones, incluyendo mejor película y director
2011: Premios BAFTA: 12 nominaciones, incluyendo Mejor película, director y guión original
2011: Festival de Cannes: Mejor actor (Jean Dujardin)
2011: Critics Choice Awards: 4 premios, incluyendo mejor película. 11 nominaciones
2011: Festival de San Sebastián: Premio del público
2011: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película y director
2011: Festival de Hampton: Mejor película (Premio del público)
2011: Festival de Sevilla: Premio del público
2011: Premios del Cine Europeo: Mejor banda sonora. 4 nom., incluyendo mejor película
2011: Premios Goya: Nominada a mejor película europea
2011: Independent Spirit Awards: 5 nominaciones, incluyendo mejor película y director
2011: Satellite Awards: Mejor dirección artística. 5 nominaciones, incluyendo mejor película
2011: Producers Guild of America: Mejor película
2011: Premios de la Crítica de Washington (WAFCA): Mejor película
2011: Directors Guild of America (DGA): Mejor director
2011: Screen Actors Guild: Mejor Actor (Dujardin) Nominados Actriz secundaria, reparto
GÉNERO:  Comedia dramática - Cine mudo
IDIOMA: Francés (pero básicamente es una película muda)
SUBTITULADO: Español



SINOPSIS:    
Hollywood, 1927. George Valentin es una gran estrella del cine mudo a quien la vida le sonríe. Pero, con la llegada del cine sonoro, su carrera corre peligro de quedar sepultada en el olvido. Por su parte, la joven actriz Peppy Miller, que empezó como extra al lado de Valentin, se convierte en una estrella del cine sonoro. (FILMAFFINITY)

CRÍTICAS:    
"¡Amor! ¡Romance! ¡Hollywood! (...) Una postal de amor a las glorias del cine mudo, un triunfo de la teleportación artística, una pura efervescencia que le da al disfrute de masas su buen nombre" (Sukhdev Sandhu: Telegraph)
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"'The Artist' muestra un amor ilimitado por el aspecto y el espíritu de los años 20 y también por el estilo de las películas (...) Un disfrute difundido en amplias dosis" (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)
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"Aunque podría decirse que es un poco amanerada, [The Artist] tiene algo que el público anhela tanto en los festivales como en los multicines: una historia realmente buena" (Peter Bradshaw: The Guardian)
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"'The Artist' encapsula todo lo que nos hace ir a las películas: acción, risas, lágrimas y una oportunidad de perderse en otro mundo: ¿cómo pueden resistirse los Oscar? (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
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"En una época en la que las películas suelen ser asaltos sónicos y su significado puede perderse entre el barullo de explosiones, tiros y coches que chocan, 'The Artist' tiene una pureza completamente seductora (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)
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"Hazanavicus sorprende con una película muda entretenida. (...) un divertimento tan logrado como delicioso." (Luis Martínez: Diario El Mundo)
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"Brillante (...) una miniatura de orfebre que reivindica nuestras deudas con el cine de los orígenes" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)
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"Al final no propone nada más que un divertimento, sin ese encanto que busca incansablemente su director (...) agradable, pero insípida" (Sara Brito: Diario Público)
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"Todo fluye con inteligencia, gracia y sentimiento (...) Y todos los espectadores con cerebro y corazón en un determinado momento nos ponemos a bailar claqué aunque no sepamos. Y aplaudimos. Y salimos del cine con una sonrisa duradera y el alma gozosa" (Carlos Boyero: Diario El País)
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"Es la película más luminosa y fascinante de los últimos años (...) Hay tantas escenas inolvidables, tantos momentos de cine puro y grande, que 'The artist' queda condenada a perpetuidad a ser una de esas obras que te obligan a amar el cine. Muda, sí, pero imposible no oírla..., e imperdonable no verla" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"¿En una palabra? Maravilla. (...) hermosa, emotiva, sentida e imprescindible película (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)
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"Hazanavicius ha proyectado buena parte de la historia del cine clásico en la memoria iconográfica del celuloide silente para certificar (...) que la vitalidad de su futuro está escrita en sus orígenes. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Fotogramas)
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"'The Artist' camina en el alambre todo el tiempo. Se la juega, arriesgando en la forma con el espectador medio y domando al cinéfilo de pro con su fondo. Por eso es, de largo, la mejor comedia en muchos años (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)
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CAPTURAS:





domingo, 5 de febrero de 2012

Juan y Eva


TÍTULO ORIGINAL: Juan y Eva
AÑO: 2011
DURACIÓN: 105 minutos
PAÍS: Argentina
DIRECTOR: Paula de Luque
GUIÓN: Paula de Luque
MÚSICA: Ivan Wyzsogrod
FOTOGRAFÍA: Willi Behnisch
REPARTO: Osmar Nuñez, Julieta Díaz, Sergio Boris, Maria Ucedo, Fernan Mirás, Alfredo Casero, Pompeyo Audivert, Lorena Vega, Alberto Ajaka, Gustavo Garzón, Fabián Arenillas, Sergio Pángaro, Karina K, Carlos Casella
PRODUCTORA: Barakacine SRL / Daltel / Dida Films / Cooperativa Kaos / Fundacion Octubre
GÉNERO : Romance. Drama | Histórico. Biográfico. Basado en hechos reales. Años 40

SINOPSIS:
  
El terremoto ocurrido en la ciudad de San Juan, en enero de 1944 da origen a la historia de amor de Juan Domingo Perón (Osmar Nuñez) y Eva Duarte (Julieta Díaz). Él, un coronel del Ejército; ella una actriz de radio en ascenso. La pelicula narra la construcción de esa relación íntima en el marco de acontecimientos vertiginosos, desde enero de 1944 hasta octubre de 1945, período durante el cual se consolidan como pareja. Eva (Julieta Díaz) colabora junto con otros artistas en la colecta que organiza Perón (Osmar Nuñez), desde la Secretaría de Trabajo, para recaudar fondos para las víctimas del terremoto. Ni él ni ella saben entonces todo lo que les deparará el destino.



CAPTURAS:




Another Year (Un año más)



TÍTULO ORIGINAL Another Year
TÍTULO EN ESPAÑOL: Un año más
AÑO 2010   
DURACIÓN 129 min.     
PAÍS Reino Unido
DIRECTOR Mike Leigh
GUIÓN Mike Leigh
MÚSICA Gary Yershon
FOTOGRAFÍA Dick Pope
REPARTO Jim Broadbent, Lesley Manville, Ruth Sheen, Peter Wight, Oliver Maltman, Imelda Staunton, David Bradley, Karina Fernandez, Martin Savage, Michele Austin, Philip Davis, Stuart McQuarrie
PRODUCTORA Film4 / Focus Features / Thin Man Films / UK Film Council
WEB OFICIAL http://www.anotheryear-movie.com
PREMIOS    2010: Premios del Cine Europeo: 2 Nominaciones: Mejor actriz (Manville) y música
2010: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
2010: Oscars: Nominada a Mejor guión original.
GÉNERO   Drama



SINOPSIS   
Familia y amistad. Alegría y tristeza. Esperanza y desánimo. Soledad. Un nacimiento y una muerte. Gerri (Ruth Sheen), terapeuta, y Tom (Jim Broadbent), geólogo, están felizmente casados, aunque les preocupa que su hijo Joe (Maltman), que es abogado, permanezca soltero. Esta preocupación les impide darse cuenta de hasta qué punto María (Lesley Manville), una frágil compañera de trabajo de Gerri, depende completamente de su amistad.

CRÍTICAS   
"Leigh crea un universo en el que todos podemos encontrar nuestro lugar. Todos los actores están sublimes, pero Manville es la que más brilla (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
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"No todos los años traen una nueva película de Mike Leigh, pero los años que sí lo hacen están bendecidos por su simpatía, su visión penetrante y su instinto para la comedia humana (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"El perfecto refugio de las ironías baratas y la cruel indiferencia a las que tenemos que enfrentarnos en la vida, y demasiado a menudo, en las películas (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Elizabeth Weitzman: New York Daily News)
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"Lo último de Mike Leigh...no trata casi de nada en absoluto y aun así yuxtapone amablemente los grandes asuntos de la vida cotidiana: soledad y amor, egoísmo y bondad, muerte y nacimiento" (Leslie Felperin: Variety)
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"De ritmo templado, aunque apasionante y completamente accesible. El título apenas 'vende' la película, pero es una de las mejores de este -o cualquier- año. Y Manville ya puede dejar espacio en su estantería para unos merecidísimos premios. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Kim Newman: Empire)
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"Momentos tragicómicos sencillamente delirantes, geniales. Si se asume el libro de estilo del realizador británico no queda otra que reconocer que estamos delante de una obra perfecta." (Luis Martínez: Diario El Mundo)
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"Mike Leigh conmueve. (...) Una película intensa y compleja, que habla con sensibilidad penetrante (...) Te emociona." (Carlos Boyero: Diario El País)
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"Todo es conmovedor y espumoso en la película, pero las interpretaciones son más aún, están entre lo emotivo, lo turbador y lo patético. (...) momentos de una verosimilitud y de una carga afectiva y perturbadora insólita." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"Mike Leigh consigue su obra más precisa, la más limpia y depurada, casi una aproximación a la obra de Chéjov (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Toni Vall: Cinemanía)
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 CAPTURAS:










Cronica de una mentira (A l'origine)


TÍTULO ORIGINAL A l'origine
TITULO EN ESPAÑOL Cronica de una mentira

AÑO 2009
DURACIÓN 130 min.
PAÍS Francia
DIRECTOR Xavier Giannoli
GUIÓN Xavier Giannoli
MÚSICA Cliff Martinez
FOTOGRAFÍA Glynn Speeckaert
REPARTO Soko, François Cluzet, Gérard Depardieu, Emmanuelle Devos, Brice Fournier, Vincent Rottiers
PRODUCTORA Europa Corp.

PREMIOS 2009: 1 Premio Cesar: mejor actriz de reparto (Emmanuelle Devos). 11 nominaciones
2009: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
GÉNERO Drama | Basado en hechos reales

SINOPSIS   
Basada en la historia verídica de un presunto estafador de poca monta que construye una autopista, trayendo con ello algo de esperanza a un pueblo deprimido.

CRÍTICAS   
"Una correcta parábola de cómo funcionan mecanismos tales como el de la solidaridad, la avaricia y el perdón. Suena grave y, no, en realidad es una obra sencilla, efectiva y -lo que no es bueno- perfectamente previsible." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

Moneyball (Rompiendo las reglas)




TÍTULO ORIGINAL: Moneyball (Rompiendo las reglas)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 133 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Bennett Miller
GUIÓN: Aaron Sorkin, Steven Zaillian (Libro: Michael Lewis)
MÚSICA: Mychael Danna
FOTOGRAFÍA: Wally Pfister
REPARTO: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright Penn, Chris Pratt, Kathryn Morris, Tammy Blanchard, Glenn Morshower, Erin Pickett, Sergio Garcia, Jack McGee
PRODUCTORA Michael De Luca Productions / Scott Rudin Productions / Specialty Films
PREMIOS 2011: Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película dramática
2011: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor guión y actor (Brad Pitt)
2011: Satellite Awards: 4 nominaciones, incluyendo mejor película y guión adaptado
2011: Festival de Toronto: Sección oficial largometrajes a concurso
GÉNERO: Drama | Deporte. Béisbol
IDIOMA: Inglés


Estreno en USA: septiembre 2011.
Estreno en España: febrero 2012.

SINOPSIS   
Billy Beane es el director general de un equipo de béisbol de Oakland, que logra mantenerse en los primeros puestos de su categoría e incluso llegar a la final durante varios años consecutivos, y todo ello a pesar de contar con uno de los presupuestos más bajos de todas las grandes ligas.
                                                
CRÍTICAS    
"Una de las mejores y más visceralmente emocionantes películas del año (...) 'Moneyball' es una película de béisbol como 'The Social Network' es una película sobre facebook: en el sentido en que no lo son. Ambas tratan sobre cómo jugar el juego de nuestras vidas (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
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"Una película inteligente, intensa y conmovedora que no trata tanto de deportes como de la guerra entre la intuición y las estadísticas (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Los guionistas Steven Zaillian y Aaron Sorkin resucitan el viejo adagio de 'no se trata de ganar o de perder, sino de cómo jugar' (...) Pitt regala una interpretación genuinamente introspectiva" (Peter Debruge: Variety)
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"La película consigue algo casi imposible: alguien a quien ni siquiera le guste el deporte puede sentir interés sobre Billy Bean y los Oakland Atheletics de 2002" (Kirk Honeycutt: The Hollywood Reporter)
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"Pitt y Hill hacen que Beane y Brand parezcan la pareja más interesante del año, incoporando profundos matices de humor y patetismo a sus personajes y ayudando a que Moneyball sea algo más que otra película de deportes o de béisbol (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Howell: Toronto Star)

2010: Odisea Dos


2010: Odisea Dos
AÑO 1984 
DURACIÓN 110 min. 

DIRECTOR Peter Hyams
GUIÓN Peter Hyams
MÚSICA David Shire
FOTOGRAFÍA Peter Hyams
REPARTO Roy Scheider, John Lithgow, Helen Mirren, Bob Balaban, Keir Dullea, Madolyn Smith, Taliesin Jaffe, Douglas Rain (HAL 9000 voice), Dana Elcar
PRODUCTORA MGM
GÉNERO Ciencia-Ficción
SINOPSIS:
Nueve años después de la expedición del Discovery a Júpiter el Dr. Floyd (Roy Scheider) recibe una oferta de unos científicos rusos: ellos permitirían que tres americanos les acompañasen en una expedición hacia Júpiter que permitiese conocer qué es lo que le sucedió al Discovery a cambio de información sobre el Discovery y los monolitos. Como el Dr. Floyd se siente culpable por lo sucedido en el Discovery y el Discovery II aún tardará algunos años en completarse, se ve obligado a aceptar, a pesar de que la situación entre la URSS y EEUU empeora por momentos y existe la amenaza de una guerra nuclear.
Cuando llegan a Júpiter y entran en el Discovery no encuentran pista alguna sobre lo que pudo suceder, por lo que reactivan a la computadora HAL 9000, a pesar de que éste podría volverse en su contra, como sucedió en la primera expedición. Pero el Dr. Floyd recibe una visita inesperada: el astronauta David Bowman, el único tripulante del Discovery que sobrevivió a la rebelión de HAL 9000 y que desapareció 9 años atrás, y éste anuncia que va a suceder “algo maravilloso”, y que deben alejarse de Júpiter en un plazo de 2 días. El Dr. Floyd le hace caso y consigue convencer a los rusos para que se adelante el regreso a la Tierra, y durante el viaje de vuelta Júpiter sufre una transformación, apareciendo un nuevo Sol y unos planetas, gracias a la acción de unos seres que envían un mensaje a los seres humanos, advirtiéndoles de que hagan la paz.