jueves, 22 de agosto de 2013

L'amant (El amante)


Título Original:L'amant   
Título en Español: El amante
Dirección: Jean-Jacques Annaud
Producción: Claude Berri, Timothy Burrill, Jacques Tronel
Guion: Jean-Jacques Annaud, Gérard Brach
Basada en: El amante (novela) de Marguerite Duras
Música: Gabriel Yared
Fotografía: Robert Fraisse
Narrador: Jeanne Moreau
Protagonistas: Jane March. Tony Leung, Frédérique Meininger, Lisa Faulkner, Arnaud Giovaninetti, Jeanne Moreau como la voz en off que narra la historia.
País de Origen: Vietnam,Reino Unido, Francia
Año: 1991
Género: Drama, romance
Duración: 115 minutos
Idioma: Inglés
Subtitulado: Español

SINOPSIS:
La protagonista femenina de la película es una colegiala francesa, de una familia colonial en un profundo estado de pobreza y abandono; ella se evade de su realidad utilizando un viejo vestido de seda, un fedora de hombre, y pintándose los labios de un color rojo brillante cuando su madre no la ve. Ella odia todos los aspectos relacionados con su mundo — sus maestras, sus compañeras de escuela, y más que nada su depravada y disfuncional familia.
La historia gira en torno a la apasionada historia de amor que vive con un joven comerciante chino cuya familia ha alcanzado una buena posición económica mediante negocios inmobiliarios; él ha regresado hace poco tiempo de París luego de abandonar sus estudios. Él tiene el aspecto de un playboy, pero no posee la auto-confianza necesaria para desempeñar el rol y queda encandilado por ella la primera vez que la ve parada junto a la barandilla de un ferry que cruza el Río Mekong.
Él le ofrece llevarla en su limosina conducida por un chófer hasta Saigón y ella acepta la invitación; durante el trayecto los dos apenas si cruzan palabras y una tensión sexual comienza a crecer entre ellos. Al comienzo de la película la joven indica que tiene 15½ años de edad, pero al joven chino le miente y le dice que tiene 17 años. Al día siguiente él la espera a la salida de la escuela de pupilos y los dos se dirigen a un pequeño departamento que él alquila en el barrio chino para sus aventuras amorosas, donde hacen el amor por primera vez.
Las convenciones sociales de la época consideran un amor así impropio, debido a la diferencia de edad y de raza, por lo que ambos lo mantienen en secreto. Ellos por lo general hablan de su futuro alejados; la chica le hace saber desde el principio que no quiere que él se enamore, que la trate como a una más de sus amantes, sin embargo, él no puede evitar involucrar sus sentimientos, pero ella le asegura que no le corresponde.
Posteriormente la joven le confiesa que no le interesan los problemas del pueblo chino, a lo que él responde que no puede desposarla ya que ella no es virgen. Así comienza un tempestuoso affaire que ambos saben no puede durar. La familia de ella planea regresar a París. Él debe comprometerse con una novia china en un casamiento concertado por su familia. Sabiendo del poco tiempo que les queda, se lanzan a una relación en la que evitan todas las responsabilidades que se asocian a una relación perdurable. Él se casa y ella retorna a Francia. Allí, una vez sola, se da cuenta que en realidad lo amaba.

NOTAS:

El amante es una película dramática franco-británica-vietnamita, producida por Claude Berri y dirigida por Jean-Jacques Annaud en 1991. La misma está basada en la novela semi-autobiográfica de Marguerite Duras, la película muestra un amor ilícito en la Indochina francesa durante 1929, entre una adolescente francesa y un rico hombre chino.
En el guion de la película escrito por Annaud y Gérard Brach, la edad de la mujer es modificada de 15½ a 18 años de edad, el personaje es representado por la actriz Jane March, quien cumplió 18 años al breve tiempo después de haber comenzado el rodaje.
La producción comenzó en 1989, mientras que la filmación recién comenzó en 1991. La película fue estrenada el 22 de enero de 1992. En general recibió críticas negativas de la mayoría de los críticos norteamericanos.


PREMIOS Y NOMINACIONES:

CRÍTICAS:    
"Coproducción entre Francia, Vietnam y el Reino Unido, con abundancia de escenas eróticas y vistosa recreación del Vietnam colonial. Cuidada fotografía" (Fernando Morales: Diario El País)
CAPTURAS:

miércoles, 4 de julio de 2012

Las acacias

TÍTULO ORIGINAL: Las acacias
AÑO: 2011
DURACIÓN: 85 minutos
PAÍS: Argentina
DIRECTOR: Pablo Giorgelli
GUIÓN: Pablo Giorgelli, Salvador Roselli
FOTOGRAFÍA: Diego Poleri
REPARTO: Germán de Silva, Hebe Duarte, Nayra Calle Mamani
PRODUCTORA: Coproducción Argentina-España; Airecine / Utópica / Proyecto Experience / Armónika / Tarea Fina / INCAA / ICAA/ Ibermedia / TVE

PREMIOS:    
2011: Festival de Cannes: Cámara de Oro (Mejor ópera prima)
2011: Festival de San Sebastián: Mejor película (sección "Horizontes latinos")
2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa

GÉNERO: Drama
IDIOMA: Español latino

SINOPSIS:    
Por encargo, un camionero debe llevar a una mujer desconocida desde Asunción, Paraguay, hasta Buenos Aires, en Argentina.
La mujer trae consigo una niña en brazos. Son 1.500 kilometros de viaje por delante. (FILMAFFINITY)

CRÍTICAS:    
"Un drama conmovedor que contrasta con la belleza de Latinoamérica de fondo. Simplemente no esperen fuegos artificiales. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Anna Smith: Empire)
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"Experto minimalismo. (...) una road movie atípica (...) La sencillez de la narrativa contrasta con la sofisticación de su ejecución (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El Periódico)
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"¿Puede una película ser arriesgada y autocomplaciente al mismo tiempo? ¿Puede una película resultar hermosa y cansina a partes iguales? Estas y otras preguntas se acumulan en el espectador al ver 'Las acacias'" (Javier Ocaña: Diario El País)
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"Una pieza modélica, sugerente (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

CAPTURAS:

domingo, 1 de abril de 2012

El Arbol


Título Original: El Arbol
Año: 2006
País de origen: Argentina
Director: Gustavo Fontán
Intérpretes: Federico Fontán, Gustavo Fontán, María Merlino
Libro y guión: Gustavo Fontán
Producción: Stella Maris Czerniakiewicz
Idioma: Español Latino
Género: Drama

Locación: Banfield, Buenos Aires (Argentina)
Productora: Tercera Orilla Cine
Distribuidores: Primer Plano Film Group (2007) (Argentina)
Cámara: Sony DSR-PD150
Laboratorio: Cinecolor SA, Buenos Aires, Argentina

Equipo Técnico:
Producción ejecutiva: Stella Maris Czerniakiewicz
Fotografía: Diego Poleri 
Cámara: Diego Poleri
Montaje: Marcos Pastor
Sonido: Javier Farina
Tape to film: Georgina Pretto, Víctor Vasini, Lucas Guidalevich

(Fuente: IMDb)



Sinopsis:
Frente a la casa de MARÍA (67) y JULIO (69), hay dos acacias, muy viejas. Sus ramas están enlazadas y parecen formar una sola copa. Una de ellas tiene toda la apariencia de estar seca. Cuando llega la primavera y reverdecen, no es posible distinguir si las hojas crecidas son de uno o de los dos árboles.
MARÍA y JULIO discuten: ella cree que está seca y que hay que tirarla abajo; teme que se pueda caer sobre alguien. Él duda, cree que no está muerta todavía, y la riega, como en un acto de fe. JULIO plantó esa acacia cuando nació uno de sus hijos y no le es fácil admitir lo que MARÍA dice.
Enlazada con este conflicto se teje la vida de dos personajes en una casa de más de cien años. La visita de algún vecino, una fiesta, los recuerdos y los fantasmas, la lluvia y los sueños, las acciones reiteradas día a día, las estaciones, las variaciones de las luces y de las sombras, construyen la trama, para que todo, silenciosa e irreversiblemente, nos hable del paso del tiempo.

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Comentarios del realizador:

- Sobre el proyecto -

La cercanía emocional:
“La casa donde se filmó la película es mi casa natal, en Banfield, un barrio del Gran Buenos Aires, levantada por mi  bisabuelo hace más de cien años, y MARÍA y JULIO, los protagonistas de EL ARBOL, son mis padres. Los árboles, las dos acacias, son parte de mi propia vida ya que, desde que tengo conciencia, estuvieron allí, como un símbolo del paso de los días y de las estaciones: el verdor de las hojas en la primavera, el resplandor luminoso de sus copas después de una lluvia en el verano, la caída de las hojas, cercana a su explosión en ocres y amarillos, la negritud de las ramas -espectrales a veces- en el invierno. Ya que la intención de la película es más poética que narrativa, considero importante esa cercanía emocional con los elementos del relato -no por una intención autobiográfica, que no la hay- sino porque me permite explorar en sensaciones, imágenes y sonidos, con más claridad”.

Poetizar lo cotidiano:
“Aunque el conflicto -la discusión sobre si el árbol está seco o no- estructura el relato, le da cuerpo, la mirada se detiene y penetra en las cosas más simples: la sombra de una planta, las señales del nacimiento del viento o de la lluvia, el silencio de JULIO, los sueños de MARÍA, o las acciones cotidianas, como hacer la cama o la comida, colgar las sábanas lavadas, o barrer el patio.
Creo que hay algo de eterno en el pequeño suceso, en la modificación íntima, en las alteraciones de lo que vive y es rozado -siempre y de manera natural- por la muerte. Los ciclos, el paso del tiempo”.

Tratamiento estético:

“La luz, la atmósfera de cada estación, era parte constructiva de la estética. El tiempo hecho pura instancia física.
Por eso, el rodaje se realizó a lo largo de todas las estaciones del año. Las jornadas eran muchas veces la caza de la luz natural apropiada.
El sonido requería un tratamiento específico: partiendo de la referencia había que “extrañarlo”. El rodaje, por lo tanto, tuvo también varias jornadas de captura de sonidos en la casa, es decir un minucioso registro de los péndulos de los relojes, de los ambientes en las distintas estaciones, de los crujidos de la madera, por ejemplo, para luego trabajar todo lo registrado cuidadosamente en la postproducción de modo que le aporte el clima apropiado a los distintos  segmentos de la película.
Las pausas del rodaje, por otro lado, en relación al trabajo con las estaciones, nos permitieron trabajar en el montaje durante un año y medio. Se rodaba y se editaba. Se buscó en el montaje la fluidez en el paso del tiempo, una cadencia en las alteraciones emocionales, una unidad perceptiva y rítmica, y una asociación de objetos en leves metáforas”.

(Gustavo Fontán)

Comentario propio:
Casi un medio-metraje por sus escasos 62 minutos. Pero con tóda la intensidad de una película de mayor duración.



CAPTURAS:

viernes, 30 de marzo de 2012

Arirang [Documental]


TÍTULO ORIGINAL:Arirang
AÑO: 2011
PAÍS: Corea del Sur
DIRECTOR: Kim Ki-duk
GUIÓN: Kim Ki-duk
FOTOGRAFÍA: Kim Ki-duk
REPARTO: Kim Ki-duk
PRODUCTORA: Kim Ki-duk
GÉNERO: Documental - Drama

Festivales:
2011 (64th) Cannes Film Festival - May 11 - May 22, 2011 - Un Certain Regard *World Premiere
2011 (11th) New Horizons International Film Festival - July 21-31, 2011 - Films on Art International Competition
2011 (5th) Cinema Digital Seoul Film Festival - August 17-23, 2011 - CINDI Surprise *Korean Premiere
2011 (36th) Toronto International Film Festival - September 8-18, 2011 - Real To Reel

Premios:
Prize of Un Certain Regard Ex-aequo - 2011 (64th) Cannes Film Festival - May 11 - Mejor película.
May 22, 2011
Grand Prix (Films on Art International Competition) - 2011 (11th) New Horizons International Film Festival - July 21-


Fuente IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1922551/

SINOPSIS:
"Arirang" es una historia en la que Kim Ki-duk interpreta tres papeles. "A través de Arirang, franqueo una colina de mi vida. A través de Arirang, intento comprender al ser humano, le doy las gracias a la naturaleza y acepto mi situación actual. Estamos ahora en el mundo de los hombres, donde se entremezclan los deseos, en el mundo de los fantasmas, repleto de dolor, y el mundo imaginario, donde se esconden nuestros sueños, sin principio ni final, volviéndonos locos lentamente. ¿Qué es el afecto, que anida aquí y allí en mi corazón y me pudre de esta forma? ¿Por qué se mantiene sobre mi cabeza para cuestionar mis emociones? ¿Por qué se esconde en el fondo de mi corazón para poner a prueba mi compasión? Cuando no le abro mi corazón a alguien, me convierto en una mala persona y le olvido, pero cuando le abro mi corazón, no le dejaré partir nunca, como un ser despreciable. ¡Oh, Arirang! De acuerdo. Matémonos cruelmente en nuestros corazones hasta la muerte. Incluso hoy, aún controlándome, me dejo invadir por la rabia con una sonrisa en los labios, me estremezco de celos al querer, odio al tiempo que perdono, tiemblo mientras ardo en ganas de matar. Esperad. Voy a suicidarme, yo que me acuerdo siempre de vosotros".


CRÍTICA:
Arirang o la caverna poshumana. Arirang. Director: Kim Ki-duk. Corea del Sur, 2011. Guión: Kim Ki-duk. Elenco: Kim Ki-duk. Por Martín I. Pérez Calarco Conicet/UNMdP.
Yo quiero ver un tren,
llévame a ver un tren,
no los recuerdo
yo quiero ver un tren.
L. A. S.

Primero hay una palabra extraña, Arirang, el título de una de esas canciones que todas las naciones tienen y que supuestamente ningún verdadero ciudadano desconoce, una especie de himno no oficial clavado atemporalmente en el corazón de una cultura. Después hay un hombre, que es Kim Ki-duk, que a través de la canción se convierte en un Sísifo oriental que va y vuelve, una y otra vez, del pie de la montaña al living de la caverna que instaló en la cima. Pero antes, mucho antes, en 2008 pero en realidad esa fecha no significa nada ya que apenas refiere a un hecho que hace visible un conflicto ancestral, hay un verdadero disparo al centro del hombre.
¿Hay una historia? Si hay una historia empieza durante el rodaje de otra película, Dream (2008), en el que una actriz casi muere ahorcada por una falla técnica. De ahí en más, Kim Ki-duk parece darle un portazo a la civilización y se arroja a la intemperie poshumana. Como si esa falla que convirtió un artefacto de utilería en una horca hubiera transformado en verdugo al director de cine, como si ese hecho fortuito no hubiera arrasado con su pensamiento cinematográfico sino con la humanidad entera, Kim Ki-duk se instala fuera de todo sistema (social, económico, cinematográfico) con algunos restos de cultura: monta una carpa pero dentro de una cabaña, corta leña pero tiene electricidad, abandona la industria pero se filma con una cámara doméstica, vive al día pero mira sus películas viejas, se enfrenta a la naturaleza pero tiene herramientas de última tecnología. Ahí, en la cima, donde sólo se puede estar solo, un cineasta surcoreano que tenía cuatro años cuando estalló la Guerra de Vietnam, registra su testimonio de la soledad, sus casi tres años en estado de reflexión. Lo vemos comer en primer plano con desafuero animal, lo vemos llorar, le vemos las grietas que se le marcan en los talones, lo vemos semidescalzo en la nieve, lo vemos usar el ingenio para que las tomas sean menos rudimentarias, lo vemos renunciar a la ficción y anunciar que “una película es una verdad”.
Pero también lo vemos confeccionar un arma y, en ese preciso instante, el cavernícola poshumano refunda la civilización. La película se quiebra porque de algún modo consigue un auto y nos muestra que el mundo sigue ahí mientras va camino a la única respuesta que parece encontrar para su dilema: un tiro certero a cada uno de los traidores. Esos disparos, esa resolución imaginaria que de concretarse lo devolvería a la civilización bajo el peso material de la ley, son la grieta por la que la ficción vuelve a filtrarse en el pensamiento de Kim Ki-duk.
Tras su autodestierro introspectivo, esta película marca el retorno del director surcoreano a los festivales internacionales y, con éste, la condensación, en cien minutos, de una idea a la que volvemos periódicamente y que excede a la forma contemporánea del ser humano; como si Kim Ki-duk volviera a cero, como si Arirang, finalmente, no fuera sólo el registro del drama existencial de un hombre sino un testimonio contemporáneo de por qué encontramos en la ficción, desde tiempos remotos, una vía de escape al dilema primigenio y natural de matar y morir.

Publicado por Centro Independiente de Estudios Culturales:

(http://letraceluloide.blogspot.com.ar/2011/11/publicacion-bimestral-issn-n-1851-4855.html)



CAPTURAS:

lunes, 26 de marzo de 2012

The Butterfly Circus (El Circo de la Mariposa) [Cortometraje]


Título Original: The Butterfly Circus
Título en español: El Circo de la Mariposa
Año: 2009
Director: Joshua Weigel
Productor Ejecutivo: Nathan Elliott
Productor ejecutivo: Jon y Esther Phelps
Productor Ejecutivo: Bob Yerkes
Productor Asociado: Natalie Burkholder
Idioma: Inglés
Subtitulado: Español

SINOPSIS:
El corto “The Butterfly Circus”, coprotagonizado por el actor mexicano Eduardo Verástegui, ha ganado el primer premio del concurso de cortos “The Doorpost Film Project” .
Este premio, de 100.000 dólares, reconoce la aportación del corto a la promoción de valores como la esperanza y la dignidad humana. El proyecto “The Doorpost” pretende descubrir a cineastas “visionarios” que busquen con sus obras la verdad y la promoción de una serie de valores universales. En esta ocasión, los valores eran la esperanza, el perdón, la humildad, la alegría, la libertad y la redención.
En esta producción, Verástegui representa al señor Méndez, quien, durante la Gran Depresión, recorre con su circo los parajes desolados de Estados Unidos. Will, un joven sin brazos y sólo el amago de una pierna, expuesto en una feria como un error de la naturaleza, escapa y se une a la troupé de Méndez, donde descubre otra forma de hacer espectáculo y se plantea su porvenir a la luz de sus nuevos compañeros.
El equipo responsable de The Butterfly Circus, encabezado por Joshua Weigel, no ha gastado nada en efectos especiales para crear el personaje de Will. Lo encarna el joven australiano Nick Vujicic, que preside la asociación “Life without limbs” (“La vida sin extremidades”) y se dedica a recorrer el mundo dando conferencias sobre la fe cristiana y la superación personal.

                                      

miércoles, 21 de marzo de 2012

2001: A Space Odyssey (2001 Una odisea en el espacio)



TÍTULO ORIGINAL: 2001: A Space Odyssey
TITULO EN ESPAÑOL: 2001 Una odisea en el espacio
AÑO: 1968 
DIRECTOR: Stanley Kubrick
GUIÓN: Stanley Kubrick & Arthur C. Clarke (Novela corta: Arthur C. Clarke)
MÚSICA: Varios (Richard Strauss, Johann Strauss)
FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth
REPARTO: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Douglas Rain (HAL 9000 voice), Laonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick
PRODUCTORA: MGM
AÑO: 1968

PREMIOS:   
1968: Oscar: Mejores efectos visuales. 4 nominaciones: director, guión y dirección artística
1968: Premios David di Donatello: Mejor producción extranjera

SINOPSIS:
En los albores de la humanidad, un grupo de homínidos, comandados por "Moonwatcher", sobrevive en las secas llanuras de Africa comiendo plantas; su indefensión frente a los depredadores y frente a otra tribu de homínidos, con la que se enfrentan a menudo por una charca de agua, es total. Un amanecer encuentran, en la entrada de las cuevas donde duermen, un extraño monolito negro al que, tras amenazarlo más por miedo y desconocimiento que por posibilidad real de enfrentamiento, acaban tocando.
Un dia, mientras "Moonwatcher" busca comida entre los restos de un animal, y potenciado por el extraño monolito, descubre que los huesos pueden ser uilizados como armas; derrotan a la tribu opuesta y cambian sus hábitos alimenticios hacia la carne.
Tras uno de los saltos más espectaculares de la historia del cine, nos hallamos en el año 2.001. El Doctor Heywood Floyd se dirige hacia la Luna, haciendo escala en una estación orbital. Al llegar a la Luna, se dirige junto con el Doctor Halvorsen al cráter Tycho, donde gracias a la medida de campos magnéticos, se ha detectado y desenterrado un monolito negro que, al ser explorado, emite una fuerte señal hacia el lejano planeta Júpiter.
De camino hacia Júpiter, la nave "Discovery" lleva en su interior cinco personas, el comandante David Bowman, el piloto Frank Poole y tres científicos en estado de hibernación, además de un ordenador de la serie 9000, "Hal" que es quien gobierna la nave.
El ordenador HAL 9000, al entrar en conflicto puesto que no está programado para mentir y, sin embargo, es el único que conoce los verdaderos detalles de la misión, decide eliminar el problema del engaño matando a toda la tripulación; eliminados los seres humanos, no tendrá a quien mentir y su problema quedará resuelto. Además, debido a que empezaba a presentar fallos de funcionamiento, Poole y Bowman habian decidido que, de seguir asi, no tendrían más remedio que desconectarlo; a pesar de las medidas de seguridad que adoptan, HAL 9000 se entera de sus planes y decide actuar.
Durante una exploración para reemplazar una pieza que se supone averiada, Frank Poole es asesinado por el ordenador con la ayuda de su nave de exploración; cuando David Bowman sale en su ayuda, el ordenador suspende las funciones vitales de los científicos hibernados. A pesar de haberse olvidado su casco espacial en el interior de la nave, Bowman consigue entrar de nuevo en ella a pesar de la oposición de HAL 9000 y desconecta el ordenador.
Al descubrir otro monolito negro en las cercanías de Júpiter, Bowman sale a explorarlo; cuando se encuentra a corta distancia, es engullido en un viaje a través de las estrellas hasta una habitación, donde envejece rápidamente antes de renacer como el "Niño de las Estrellas", que en el plano final de la película regresa a la Tierra, a su hogar.

COMENTARIOS:
La Odisea del espacio explicada (con presentación en multimedia) en:
 http://es.kubrick2001.com/ Ayuda de gran importancia para comprender la integridad de la obra.


OTRAS NOTAS Y CAPTURAS:
Es uno de los films más importantes de ciencia ficción. Realizado por Stanley Kubrick (1928-1999), el guión es de Kubrick y Arthur C. Clarke. Se basa en el relato breve “The Sentinel”, de Arthur Clarke (1917-2008), escrito para un concurso de la BBC y publicado (1951) en el magazín “10 Story Fantasy”. Se rueda en escenarios naturales de Inglaterra (Borehamwood), Escocia (Western Islands) y EEUU (Monument Valley) y en los platós de Shepperton Studios (Surrey, Inglaterra) y MGM British Studios (Borehamwood), con un presupuesto de 10 M USD. Nominado a 4 Oscar, gana uno (efectos visuales). Producido por Kubrick para Polaris y MGM, se estrena el 2-IV-1968 (Washington D.C., preestreno).
La acción dramática tiene lugar en la Tierra, la Luna, una estación orbital y más allá de Júpiter. La narración se refiere a una época de 4 M de años de antigüedad, a los años 2001 y 2002 y al 2012 (aprox.). Hace 4 M de años un primate descubre un arma de combate (el fémur de un animal de envergadura muerto joven), que le permite cazar, dominar a los suyos, someter a los rivales y asesinar. Los homínidos dejan de ser carroñeros para convertirse en cazadores. En 2010 una nave espacial tripulada por los astronautas Frank Polle (Gary Lockwood, “Esplendor en la hierba” 1961) y Dave Bowman (Keir Dullea, “Elisa” 1962, “La zorra” 1967, “El buen pastor” 2006), se dirige a la base lunar Clavius. Un tiempo después (18 meses más tarde) la nave es enviada a Júpiter, que rebasa para introducirse en una nueva dimensión.
El film suma aventuras, misterio y ciencia ficción. La narración se presenta dividida en tres actos, a la manera de las obras del teatro clásico. Analiza tres hechos trascendentales: el salto de las habilidades manuales a la inteligencia natural, el salto de la inteligencia natural a la artificial y el paso de la tercera dimensión a una nueva dimensión, a la que no da nombre. El relato no se basa ni en delirios fantasiosos, ni en especulaciones de una imaginación gratuita y desbordada. El discurso narrativo se apoya en datos científicos rigurosos y en previsiones fundamentadas. Gracias a su perspectiva documental, la descripción del Universo en el que viaja la nave Discovery 1 coincide básicamente con las imágenes obtenidas en viajes interplanetarios posteriores de ingenios mecánicos o robots y en el viaje a la Luna que realiza el Apolo 11 de la NASA en julio de 1969.
No emplea planos caprichosos, ni escenas redundantes, ni secuencias superfluas. Muestra en los planos sólo lo que es esencial, imprescindible y relevante. Su discurso se hace austero y riguroso. La exposición es seria y realista: no contiene elementos de broma o farsa referidos al objeto de análisis o a partes del argumento. Rompe con la tradición de las narraciones juveniles de temas imaginarios y de ciencia ficción que le precedieron. El relato da saltos en el tiempo y en el espacio, confiando en la atención y la capacidad de comprensión del espectador, al que trata con respeto, pero sin concesiones a la ausencia de esfuerzo.
La cinta se refiere a algunos hechos cuya finalidad radica en plantear preguntas, a las que no se dan respuestas. El realizador desea que el espectador se sienta interrogado y que reaccione según su propia manera de ver y entender las cosas. En la Tierra desde hace más de 4 M de años hay un monolito negro con forma de hexaedro regular, de superficies pulidas y aristas finas, que podría sugerir la existencia de seres inteligentes ajenos al género humano. En la Luna se encuentra un monolito poliédrico similar, que plantea inquietudes y siembra sospechas. Otra apelación clara a la capacidad de razonamiento del espectador viene dada por la desconcertante habitación vienesa.
Es el 8º largometraje de Kubrick (“Senderos de gloria” 1957, “Espartaco” 1960, “La naranja mecánica” 1971, “El resplandor” 1980), un trabajo ambicioso y conseguido, que rompe con la tradición anterior de la cinematografía de ciencia ficción y sienta nuevos parámetros, nuevos conceptos estéticos y nuevas imágenes, que condicionan el futuro del género. La película plantea preguntas sobre la relación del ser humano con el Universo, sobre la supuesta omnipotencia de la ciencia, sobre las relaciones de la persona humana con la máquina, sobre la posibilidad y el alcance potencial de la inteligencia artificial, etc. El realizador muestra su admiración por la naturaleza, en especial por el cielo, la tierra el espacio insondable, la luz, los colores, las formas, los astros, los crepúsculos, los viajes. Para él, estos elementos configuran el escenario en el que intenta elevar el espíritu del espectador a esferas de plenitud, gozo y éxtasis, reservados a los dioses. La obra invita a pensar, interrogarse, explorar. No busca el espectáculo visual, sino la emergencia de inquietudes, interrogantes, reflexión y pensamiento. La gestación de la película se prolonga durante 4 años hasta su estreno.
La música, de Richard Strauss, Johann Strauss, Katchaturian y Ligeti, tomada de interpretaciones rotundas y vibrantes, confiere seriedad y magnificencia a la acción. Sobresalen los cortes de “Así habló Zarathustra (Amanecer)” de Richard Strauss, el “Adagio” de Katchaturian y “Atmospheres” de Ligeti. El vals “El Danubio azul” no es el mejor corte de la banda sonora, aunque probablemente es el más popular y el más romántico. La fotografía, de Geoffrey Unsworth (“Superman“, Donner, 1978), en color y panavisión, hilvana secuencias de imágenes inolvidables y asombrosas, que convierten la cinta en una experiencia visual fascinante.


Film de culto, polémico, conocido y acreditado.

(Fuente de las Otras Notas: Miquel Alenyà) http://lgecine.org/2011/09/21/2001-una-odisea-en-el-espacio-1968/

CRÍTICAS:   
"La cinta más polémica, magnética y genial de Kubrick (...) La elipsis del hueso-espacio, el monolito y el enmudecimiento de Hal forman ya parte de la iconografía del siglo" (Luis Martínez: Diario El País)
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"Maravillosa obra, sin duda toda una revolución en su época" (Fernando Morales: Diario El País)
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viernes, 16 de marzo de 2012

Love



TÍTULO ORIGINAL: Love
AÑO: 2011
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: William Eubank
GUIÓN:
William Eubank
MÚSICA: Angels & Airwaves
FOTOGRAFÍA: William Eubank
REPARTO: Gunner Wright, Corey Richardson, Bradley Horne, Nancy Stelmaszczyk, Roger E. Fanter
PRODUCTORA: Angels & Airwaves

GÉNERO: Ciencia ficción

SINOPSIS:
Después de perder contacto con la Tierra, el astronauta Lee Miller queda atrapado a bordo de la Estacion Espacial Internacional. A medida que el tiempo avanza y las reservas vitales se acaban, Lee lucha para mantener su cordura, y su vida. Su mundo se reduce a una existencia solitaria y claustrofóbica, hasta que hace un descubrimiento extraño a bordo de la nave. Musicalizada por la poderosa música de Angels & Airwaves, "Love" explora la necesidad humana fundamental por conectarse a otros, y el iimitado poder de la esperanza. Una aventura de grán impacto visual que hace hincapié en una realidad común: que todos tenemos una historia que contar y un legado incluso mas grande que dejar atras.

CAPTURAS: